「現代音樂錄音製作最大的問題在於，你身處於一個擁有無限可能的世界，所以我試著及早關上各種可能性、限制既有的選擇，並且只使用限定手法作曲。為什麼比起合成器手，吉他手們總是能作出更有趣的音樂？原因很簡單，因為當你需要作出美學與獨特風格兼具的音樂時，透過吉他你可以立刻直覺地彈奏出來，電腦裡儘管擁有上千台合成器，每台合成器裡又有上千種音色，卻辦不到這點。所以我總是向人們倡導”限制”這個觀念。」- Brian Eno
前言
最近我一直在思考關於「限制」、「可能性」與作曲的關聯，使用電腦音樂軟體諸如Logic, Cubase, Sonar, Reason,Ableton….在音樂上我們幾乎可以擁有無限的可能。雖然好處多多，我卻發現我經常花上大把時間在各種音色設置、合成器取樣裡挑來挑去點來點去，而不是真正的在作曲。
我們這代最偉大的ambient與極簡主義作曲家Brian Eno，似乎很清楚擁有近乎無限選擇的潛在危害，解決之道則是試著用最簡約的方式去創作─在特定規則與限制下，創造一個只有純然音樂性的世界。不同作曲家對於規則與限制的看法可能南轅北轍，但幸運的是對我們來說，他們的任何技巧與建議幾乎都適用於任何曲風，並且於我們有益。
在這篇教學裡，我們會驗證幾項作曲時你能用上的簡單技巧，不論你做的是極簡、ambient，還是流行與搖滾，每個音樂人都能藉由學習這類技巧獲得助益，並且運用它來挑戰自己的創造力、避免自己陷入文枯思竭的窘境、並鍛鍊自己的各項技術。
限制你的選擇
就如Brian Eno在上面所談的，當你需要全新的作曲視野時，限制你的選擇是最簡單也最快速的方法。降低工具的可能性，能強迫你思考更細微的範疇：當你被限制在寥寥可數的可能性下，就不得不回頭一一檢視那些你平常寫歌可能會忽略的選擇。
改變你習慣使用的音樂軟體是在限制上下猛藥的強烈方法。舉例來說，我有一些歌曲是用Mac內建的GarageBand來完成的，並不是因為我認為它適合做這些曲子，而是它就聲音創造與操作上給了我很大的限制。Logic是我在創作上的第一選擇，但一系列廣大的功能與聲音可能性，有時候反而會變成一種負擔（embarrassment
of riches），使用GarageBand能讓我在錄音、編輯、表演、操作選擇上，有更加不同與更少的可能
限制使用軟體只是限制選擇的方法之一，下列有一些其他的限制方法，最終或許也能幫助我們找到作曲的聖杯：
- 限制軟體的使用 ─ 使用簡單點的音樂工作站，只用MIDI、或只用Audio錄音來作曲，或是試著整首歌只使用一台合成器音色創作。
- 只做有限度的後製 ─ 別使用任何形式的壓縮器、EQ或其他母帶後製技巧來完成你的歌曲。你只要在作曲時粗混一下讓它聽起來不錯就好，之後就別再動它了。
- 限制和聲與旋律性
─ 試著限制你的歌曲只使用幾個和絃，或簡單的樂句。但記著，你仍需要讓音樂保持誘人魅力，別讓聽眾覺得無聊了。
- 限制節奏的使用
─ 試著不在作曲時使用過於普遍的節奏或速度，試著在作曲時使用沒用過的拍號如7/8或5/4等等。
- 限制曲式的使用
─ 試著使用比你平常習慣的ABBA來得更複雜、或更簡單的曲式。
當你開始驗證上面這些技巧，你會發現上面很多方法都會讓你感到不舒服或Fu不對，但這可是件好事！會不舒服表示你正在鍛鍊你以前沒用過的音樂肌肉。當我們懶惰一陣子沒運動後突然決定來個長跑，你會發現全身的關節肌肉都在跟你抗議。同理，我們的音樂健身操會強迫我們使用以前沒用過的音樂肌肉，所以試著全方位地使用你的能力吧，我向你保證，你會驚訝於它的效果的。
讓音樂鮮活起來
隨著音樂工作站、軟體合成器、取樣音色發展得越來越厲害越來越簡單，我們很被這些合成音色牽著走。讓聲音變得有機鮮活能讓你的音樂創作更加令人耳目一新，試試使用更多(或只用)有機音色吧。
有機音色(organic sounds)一詞泛指不少意義，以下告訴你有哪些可能性
- 用原聲樂器取代合成樂器 ─ 用原聲(acoustic，或不插電)演出取代一些既有的合成音軌。例如使用雙簧管或長笛來取代原有的單音主奏合成器。錄下它們後，可以使用後製技巧來重塑波型，讓它們更能融入原有的音軌。
- 使用Found Sounds ─ 我們都看過一些教你利用空間錄音與Found
Sounds創造獨一無二的聲音色彩的教學(像這個)，花點時間在家中、街坊或城市裡錄錄音吧，探索不同的新方法，嘗試將這些聲音入納入你的音樂裡。（註：Found Sounds源自二十世紀初期的發現藝術，意指運用空間中隨手可得的人造或自然物件完成的藝術創作。這類聲音素材在後來的具象音樂裡被大量使用）
- 有機波形取樣 ─ 厲害的取樣怪傑也許會考慮自己取樣有機音色，並且將它編輯成片段的小波型。你可以將這些重組後的小音檔載入取樣機裡，用它來創造新樂器。
- 聲音大雜燴 ─ 你上一次拿周遭物品純粹製造噪音並錄下來是什麼時候？在房間裡架支麥克風，戴起耳機，「彈奏」你的房間，盡情錄音吧。持續彈奏房內的物品直到它成了你認為有意義的素材、或是找到了聲音中的邏輯才停。然後，換一軌繼續錄。你可以利用這個方法創造一些獨特的「音景」，使它成為你的新取樣素材、新節奏素材，甚至是利用後製技巧使它成為ambient風格的墊底素材。
- 找樂團救援 ─ 把某些電子樂器改編成原聲編制。邀請你有音樂才華的朋友們一起共襄盛舉，準備好酒水小菜，花個一整天用原聲樂器錄音編曲吧。這會他媽的好玩，而且可以好好解放那些平常躲在小房間裡，孤單一人看著電腦作曲的音樂人....像是我。
來點強烈對比
有些時候，樂手們會不敢在聲音表情中完全呈現自己的力量。舉個例子，你上一首真正又大又吵又刺耳的爆炸性歌曲是什麼時候做的？又或著，如果你是那種硬派的速度金屬咖，你上一首含有微幸福兼小確幸的小清新歌曲又是什麼時候做的？
當然，你也可以自認是周杰倫緊抱著自己的曲風不放，但還是那句老話，請把它看成是爬音階、練節奏般的基礎練習，它的目的是為了伸展你的音樂肌肉，學習彈些截然不同的東西吧。這項技巧的重點在於，別擔心最後成品聽起來好不好聽，音樂美學在這裡一點都不重要，這只是個練習！試著在音量、音色、及結構上來點強烈對比。作首每一軌都有超重破音的歌，或是一首緩慢、淡進淡出的柔和歌曲，並試試將它們合而為一。
下面這首歌是我最喜歡的例子之一，Peter Gabrie的「Darkness」收錄在「Up」專輯中，他慣於運用一些厲害的效果，注意開頭與副歌的戲劇性─柔和、寧靜的重複音出現，刺耳的噪音吉他緊接在後。這項技巧不斷重複出現在主歌、副歌、橋段的對比中。
靜止與運動
一般常識來說，樹木不會移動。但事實上，樹卻是很少靜止不動的。巨觀下它是不動的整體，圍觀下卻有著細微的變化，穩如泰山的樹幹與搖曳生姿的枝葉，便是大自然與生俱來的對比。
強大的動態是作曲家感染聽眾情緒的利器與盟友，表面上看起來動態是指響度的變化大小，然而，在這裡動態更深層的意義是指內在的細微靜止與移動。這不僅包含音量的變化，也包含節奏、聲音的啟動、維持以及其它會隨著時間改變的元素。
有很多方式可以讓你運用這些細微的動態，以下是幾個小建議：
- Automation ─ 利用Automation控制左右相位、音量、EQ或是其它會隨著時間改變的效果參數，來為歌曲製造會隨著時間改變的效果。（註：Automation是音樂工作站裡用來控制並記錄各項參數變化的一項功能）
- 頑固音軌 ─ 頑固音軌是指長時間重複無變化的音軌。單聽可能很無趣，但是放在歌曲裡卻能和其他素材產生有趣的對比與變化。
- 想像自己是棵樹 ─ 我承認，我想不到更好的描述方法，這邊的概念是為你的歌曲製造一個相對簡單、隱約的基礎，然後再做幾個「枝葉」軌，讓它聽起來像是圍繞著根基搖曳、飄揚。
這項技巧的好例子可以從Steve Roach的「Fossil and Fern」裡找到。（請自行尋找完整版）
出乎意料之外
有些風格的歌曲成功的要訣在於建立、實現觀眾的期待。舉個例子，House與Trance在夜店裡特別有效果是因為它們能藉由音樂上的過門提示（buildups and breakdowns），讓聽眾知道高低潮要來了。這種預期心理能創造一種愉悅的「共通經驗」，聽眾可以提前做出反應，知道什麼歌下要跳什麼舞，甚至跟著唱和。
然而有些時候出乎預料之外也能有相同的效果，因為打斷聽眾的預期可以使他們冷靜並專注於搞清楚發生了什麼事。以下有幾個方法讓你出乎聽眾意料之外：
- 改變曲式
─ 就像上面所說的，試試替換主歌、副歌或是過門橋段的位置，把它們放在你平常不一定會預期到的地方。
- 改變和絃
─ 謹慎使用替換和絃來製造緊張、解決感，打破一般終止式的用法。這邊有篇關於終止式的不錯教學。
- 讓不同樂器來表現
─ 假如你已有了特別的旋律或和聲行進，考慮一下用不同樂器來表現不同段落。例如，你在第一段主歌原有個吉他刷扣，你可以在第二次進主歌時改以鋼琴來表現。
- 吊吊聽眾的胃口 ─ 如果你作的是電子音樂，並運用了buildups 與 breakdowns過門技巧，考慮一下把它們的長度延長為兩倍；或著如果你已經使用breakdowns作為連接solo橋段，要進入高潮時就別再使用buildups，可直接全下等等…
結論
上面這些技巧是你應最先考慮練習的，請把它當作是音樂上的負重訓練及健力訓練，雖然最後的結果不全然都是音樂上的好選擇，然而了解這些技巧，並在你面臨無窮盡的選擇時視情況運用它，它能在你需要時幫助你寫出偉大的樂曲。
很高興你能看完這篇文，希望它對你有益，來點回應讓我知道吧。
本文譯自Using
Ambient Techniques For Composing
